Le GIS « Arts & Éducation » organise une journée méthodologique dédiée aux masterant·es, doctorant·es et jeunes docteur·es, le 30 octobre 2025 Guingamp et en ligne.
La date limite de dépôt des propositions de communication a été repoussée au mercredi 25 juin, minuit !
Durant trois jours, un colloque important dans le champ des recherches en éducation musicale s’est déroulé à l’Inspé d’Aix-en-Provence. De nombreuses communications ont proposé un état de l’éducation musicale des enfants (4-11 ans) autour de la Méditerranée (Grèce, Jordanie, Maroc, Tunisie, Liban, France, …). Un concert a ponctué la première journée de travail.
Séminaire inaugural du vendredi 4 octobre 2024 Aix-en-Provence
Le premier séminaire du groupement d’intérêt scientifique Arts & Éducation (GIS A&É) se déroule à l’Inspé d’Aix-en-Provence en salle de conférence (bâtiment E), le vendredi 4 octobre 2024. Il a pour but de faire se rencontrer les partenaires engagés dans le projet de GIS A&É.
On y sera avec TORTOCHOT Eric et Christophe Moineau pour parler de la matrice disciplinaire du design, en partant de nos travaux sur les arts appliqués enseignés au lycée professionnel.
Le colloque “Les Matrices disciplinaires du design” /// Toulouse /// 30 novembre et 1er décembre 2023
Résumé Le terme de design est aujourd’hui revendiqué dans de nombreuses pratiques (design thinking, design management, design strategy, design innovation), au point que l’on peut se demander ce qui constitue encore l’unité de la discipline. La proposition de ce colloque est de réfléchir aux contextes et aux enjeux qui ont permis au design de prendre forme et de repenser à nouveaux frais ce dont il peut être porteur.
Lieu Université Toulouse Jean-Jaurès, Maison de la recherche 5 All. Antonio Machado, 31058 Toulouse Amphi F417
Cet ouvrage est le fruit d’échanges et de réflexions autour de la question de l’identité et de la formation culturelles du corps enseignant d’hier et d’aujourd’hui. Alors que la formation professionnelle des enseignant.e.s devient de plus en plus techniciste et inféodée à des problèmes de rentabilité, les contributions interrogent la place et le rôle de la culture dans la formation et, peu ou prou corrélativement, l’identité professionnelle du corps enseignant pour laquelle Philippe Meirieu parle de « continent englouti » dans une perspective historique. Les chercheur.e.s, Yves Reuter, Jean-Louis Dumortier, Marie-Sylvie Claude, Pascal Terrien, François Joliat et Marlène Lebrun conjuguent leurs réflexions à partir de champs différents qui gagnent à être croisés : la didactique du français et de la littérature, la didactique de la musique, les sciences de l’éducation et la pédagogie. Puisse cet ouvrage collectif ouvrir la voie à des recherches et des pratiques qui éclairent et outillent les décideurs afin qu’ils questionnent la place et le rôle de la culture dans une formation professionnelle plus humaniste qui fasse des enseignant.e.s du XXIe des créateurs d’humanité.
Le design et son enseignement : état des lieux et perspectives
Coordination : Éric Tortochot, ADEF-GCAF / INSPE Aix-Marseille, John Didier, CREAT / HEP Vaud et Anja Küttel, HEP/PH Fribourg
Le périmètre théorique et les attendus méthodologiques
Les enjeux
Ce numéro spécial sur l’enseignement du design s’inscrit dans une jeune revue internationale plurilingue consacrée aux enseignements artistiques. Il a pour objectif de faire avancer les débats sous-jacents à cette discipline sur un plan international en offrant un terrain de partage et d’échanges sur des réflexions théoriques et sur des recherches empiriques. Ainsi, l’appel à publication est concentré sur trois axes dont la complémentarité aura d’autant plus de force qu’elle sera débattue par les différentes communautés de spécialistes. Le premier axe repose sur les archives historiques, sur la lecture des textes programmatiques et aussi sur la compréhension des phénomènes d’enseignement-apprentissage. Le deuxième axe propose de regarder plus spécifiquement ce qui se joue dans le dialogue interdisciplinaire du design et de la conception. Le troisième axe a pour finalité d’ouvrir les débats sur la relation de l’homme à l’objet et au réseau dans l’ère de l’anthropocène.
Axe 1 : Épistémologie du design et de son enseignement
L’histoire du design a été principalement construite sur une histoire des objets, des gestes artisanaux et industriels ainsi que des courants stylistiques (Bony, 2012 ; Guidot, 2004 ; Midal, 2013 ; Laurent, 1999a ; Margolin, 2017a, 2017b). Elle a aussi été élaborée à partir de l’histoire des écoles et de celles et ceux qui les ont fondées et structurées. Les premiers enseignements dans les écoles de dessin pour artisans en France dès le milieu du XVIIIe siècle, dans la « Normal School of Design » en Angleterre (1835), dans l’école d’arts appliqués de Vienne (1899), ont contribué à former des dessinateurs de modèles. Avec le Bauhaus, le processus de création et de conception est intégré et le dispositif de formation sera diffusé, imité, développé (le New Bauhaus à Chicago ou encore l’HfG, plus lointaine) (Ascher, 2015 ; Bertrand et Favard, 2022 ; Malherek, 2018 ; Röhl et al., 2021 ; Viehhauser et Küttel, 2021). Parallèlement, les Vhkutemas développent une approche semblable et tournée vers le peuple, mais qui reste limitée à la sphère soviétique (Bagina, 2019 ; Lebahar, 2008). Pour autant, les modèles d’écoles qui favorisent la créativité et la conception se multiplient durant le XXe siècle. Le Black Mountain College en Caroline du Nord en est un exemple (Díaz, 2015 ; Füssl, 2006 ; Margolin, 2017b ; Point, 2018). À leur manière, ces écoles ont transformé le monde. Plus généralement, on peut dire que l’histoire de l’enseignement du design a favorisé la compréhension de ce qui se conçoit aujourd’hui et qui a été enseigné hier et de ce qui s’enseigne aujourd’hui pour concevoir demain.
Ainsi, il nous semble important de poursuivre le travail sur les institutions ou académies de formation au design et sur la conception d’un point de vue curriculaire, technique, matériel (d’Enfert, 2021 ; Laurent, 1999b, 2019 ; Tortochot et Lebahar, 2008 ; Viehhauser et Küttel, 2021). Afin de saisir comment les écoles sont constituées aujourd’hui, les approches peuvent être théoriques ou historiques, voire analytiques. En dévoilant les héritages cachés, ce travail peut aussi contribuer à mieux comprendre l‘influence des écoles de design sur la société par les savoirs et savoir-faire qu’elles ont développés afin de mettre à jour et de clarifier l’évolution des courants épistémologiques et des pratiques (Beaubois, 2022 ; Le Bœuf, 2006, 2015 ; Petit, 2017 ; Petit et Deldicque, 2017). Ces ancrages épistémologiques ne font pas du design et de la conception des disciplines d’enseignement à part entière, dont la place et l’importance seraient incontestables. En revanche, la recherche fondée sur des études comparatives et internationales permettrait ainsi de mieux comprendre comment le design est enseigné aujourd’hui (Addison et Burgess, 2020 ; Park, 2020 ; Stables, 2020). Par ailleurs, de nouvelles approches empiriques ou expérimentales sur des situations d’enseignement du design permettraient de comprendre ce qui est réellement enseigné et / ou ce qui est réellement appris (Didier et al., 2018 ; Didier et Bonnardel, 2020 ; Eichelberger et Rychner, 2008 ; Küttel, 2022 ; Roy et al., 2021).
Axe 2 : Épistémologie de la conception
a) L’activité de conception au niveau épistémologique
Pour prolonger la réflexion, nous ouvrons le débat sur l’activité de conception en regard de l’enseignement du design. Pour ce faire, nous revenons sur la dimension épistémologique de la conception en précisant sa formalisation conceptuelle en tant qu’activité finalisée dans les années 1950 et 1980 (Schmid, 2001). Sur le plan historique, elle remonte aux temps les plus anciens dans le sens où l’être humain pratique depuis toujours la conception (Deforge, 1989). L’apparition de cette activité complexe caractérise des transformations de nos modes de pensées ; elle renvoie à l’organisation du travail ainsi qu’à nos modes de fabrication des artefacts (Simondon, 1989). L’activité de conception engendre une nouvelle relation au travail pour l’être humain. Elle oriente l’évolution de nos systèmes de production à travers les siècles, tout en étant peu visible (Deforge, 1993). Elle retrace l’émancipation de certaines figures, de l’artisan à l’ingénieur, elle fait apparaître de nouveaux positionnements et pratiques dans l’industrie (Barré-Despond, 1998). C’est à travers la figure du designer qu’elle déploie, selon nous, toute son envergure (Boutin, 2017). Également considérée en tant que démarche créative de résolution de problème, l’activité de conception permet de penser l’artefact en tant que système intelligent, œuvrant pour le progrès collectif. La conception mobilise ainsi différents modes de pensée : technique, critique, créative, complexe, éthique, etc. Elle participe à transformer les comportements et les attitudes des différents acteurs du projet de l’objet. La conception au XXIe siècle s’empare de l’éthique du concepteur, elle l’amène à affirmer ses propres valeurs et convictions, à se confronter aux enjeux de l’industrie.
b) L’activité de conception dans les formations en design
Interroger l’enseignement du design implique de revenir sur le rôle de l’activité de conception dans la constitution de ce champ en tant que discipline. Veillard (2008) mentionne le design en tant que discipline de conception. L’activité de conception caractérise une activité complexe qui mobilise différents savoirs particulièrement utiles pour penser et repenser la formation et l’enseignement du design à différents niveaux (Didier et Tortochot, 2021). Qu’il s’agisse d’experts, de spécialistes en devenir, de novices ou de profanes de la conception, cette activité complexe recèle un potentiel pour le développement de l’humain qui mérite d’être enseigné dès le plus jeune âge (Didier et al., 2017). Dans cette perspective nous rappelons le constat posé par Simon (1974) : « Quiconque imagine quelques dispositions visant à changer une situation existante en une situation préférée, est un concepteur » (p. 73). Cette volonté de démocratisation de l’activité de conception à l’ensemble des formations professionnelles et universitaires nous rappelle son rôle central dans l’enseignement du design en tant que levier pour permettre aux individus d’apprendre à penser et repenser les artefacts et les systèmes techniques (Lequin, 2020).
La conception implique un processus, elle formalise une des étapes du projet (Frey, 1996) de l’objet. De fait, elle apparaît incontournable pour rappeler la place du projet dans les formations en design. Qu’il s’agisse du renvoi épistémologique (le design ne peut être séparé du projet) ou pédagogique (en tant que modalité de formation), ce tandem conception et projet mérite d’être à nouveau questionné sur un plan didactique.
Ainsi, cet appel à contribution propose également de questionner le processus de conception selon plusieurs perspectives, à savoir : démocratique, didactique, mais également en lien avec l’évolution même du champ du design (éco-conception, co-conception, design émergent, design critique, design social).
Axe 3 : L’interaction de l’individu et de l’objet comme processus d’apprentissage
Partant de la compréhension scientifique du design selon laquelle le design crée des réalités d’une part et les reproduit d’autre part, la réflexion de Park (2016) et d’autres auteurs sur la didactique du design met en avant l’idée que l’étude du design et des objets de design implique une étude des réalités sociales. L’interaction avec les objets de design d’une société donnée permet d’explorer et de comprendre ses structures, contextes et réalités sociales, ainsi que de les remettre en question. Park parle de « Verfestigung, Veränderung oder Verwerfung von bestimmten kulturellen Selbstverständnissen »[1] (p. 37). Le design, compris comme recherche et développement d’artefacts, offre un moyen d’explorer, de comprendre et de façonner les réalités sociales.
Selon Dewey (1929, 1930), l’apprentissage se fait par interaction avec des objets dans laquelle des gens font des expériences : « essayer », « explorer » ou « tester ». Dewey considère ces « expériences esthétiques » comme des moments importants au cours desquels un processus de pensée est déclenché par la perception sensorielle des objets. Dewey souligne que celle-ci peut élargir la capacité de représentation de l’être humain de manière nettement plus importante que la confrontation purement cognitive avec des phénomènes.
La théorie de l’acteur-réseau de Latour (1998) offre des pistes de réflexion intéressantes sur les confrontations entre l’individu et l’objet. Latour part du principe que les individus sont des acteurs dans un monde. Par leurs actions, ils créent des réalités dans ce monde, ils établissent des structures ainsi que des liens et créent des ambiances. Le monde n’existe donc pas simplement en tant que tel, mais il est façonné par des personnes qui agissent (Latour, 1998). Les individus créent des réalités non seulement par des interactions humaines, mais aussi par des interactions entre les individus et les objets (Latour, 1994). Latour part du principe que les objets font partie intégrante d’une action humaine dans notre système social. Ainsi, il considère également les objets comme une partie active d’une situation en évolution. Ils influencent l’action des individus et deviennent ainsi des acteurs dans un contexte social dont le rôle n’est pas négligeable (Latour, 1994).
En ce sens, l’objet peut jouer le rôle de médiateur entre les apprenants et le monde réel dans l’enseignement de la création.
Les contributions à ce numéro peuvent mettre en lumière la nature de l’interaction entre l’homme et l’objet dans des perspectives de création et de compréhension de la réalité (Latour, 1994, 1998), discuter du rôle de l’objet de design en tant que questionneur didactique et examiner la position des expériences sensorielles dans un processus éducatif.
En conclusion
Nous espérons que ce numéro spécial sera l’occasion d’enrichir le débat sur les spécificités d’une discipline située dans un « entre-deux » (Petit et Guillaume, 2018). Design et technologie pourraient être une troisième culture. Mais ils sont placés dans une situation médiane, celle du « mi-lieu » (l’entre-deux et le lieu de vie) (Petit, 2017). Le design et la conception ne seraient donc ni un art, ni une technique, ni une ingénierie, mais tout à la fois ou entre toutes ces disciplines, quelque part. En ce sens, parce qu’ils sont au mi-lieu, ils favorisent les articulations, les relations, les assemblages. Par exemple, l’enseignement du design et de la technologie sont au cœur des enjeux de la « démocratie technique » et des ambitions de l’école pour 2030 (Didier et Tortochot, 2021) en visant l’autonomie des élèves (Küttel, 2022).
La France des années 1950 semble être le temps d’une dispute entre « les anciens et les modernes » dans le domaine de la composition musicale. Entre les premiers et les seconds, le différend porte sur la manière de manifester l’inouï au sens premier de « jamais entendu ». En créant le Centre Français d’Humanisme Musical (CFHM) et en y enseignant de 1959 à 1963, André Jolivet propose de nourrir les générations montantes en faisant revivre les origines de la philosophie de la musique. Il souhaite révéler aux apprentis compositeurs qu’il y a mille façons de concevoir, d’entendre et de créer de la musique. Pour répondre à cette ambition d’informer les apprentis compositeurs et de toucher le public le plus large possible, il lui faut un outil et un lieu de diffusion. Cette première école d’été de composition est fondée en 1959 avec le soutien du directeur du Festival d’art lyrique d’Aix-en-Provence et du doyen de la Faculté des Lettres de l’Université de Provence. Elle réunit les grands noms de la radiodiffusion française, de la composition, de la musicologie, de Chailley à Xenakis, de Boulez à Jarre, en passant par Gavoty, Barraud, Poulenc. Comment faire exister cette nouvelle académie sur le vieux continent européen ? Comment la singulariser ? Cet ouvrage retrace et analyse l’histoire du CFHM à l’aune des traces et documents retrouvés dans les archives André Jolivet et conservés par sa fille. Il présente un autre visage du compositeur Jolivet, celui de l’humaniste et de l’enseignant qu’il n’a jamais cessé d’être.
L’ouvrage La musique à l’épreuve de la parole dresse un panorama des travaux de recherches que l’auteure consacre aux verbalisations de la musique, et plus particulièrement aux textes d’accompagnement de la musique contemporaine et de l’opéra. Les notices de présentation d’œuvres, les comptes rendus critiques, les commentaires de médiateurs culturels, les usages de livrets discographiques de mélomanes, chargés de communiquer avec les publics et d’en informer l’écoute, sont questionnés par le recours à l’enquête en sciences sociales. Des entretiens avec des compositeurs, qui portent sur leurs propres conceptions de la communication, en prolongent l’analyse. La démarche de l’auteure, compréhensive et multidisciplinaire, a pour finalité de cerner la musique, dans sa pluralité, depuis l’activité de communication. Les différents travaux présentés reposent sur une articulation vécue par l’auteure entre recherche, enseignement et pratique musicale, propice à décrire et comprendre finement les rouages de certains mondes socio-musicaux.
Le décrochage est un processus long, il est souvent difficile à déceler avant sonconstat effectif. Les facteurs peuvent être scolaires, familiaux, sociaux ou encorepersonnels (Bernard, 2019 ; Blayaet Fortin, 2011 ; Bruno, Félix et Saujat, 2017). Aujourd’hui, la notion de persévérance scolaire est utilisée de préférence aux expressions « décrochage » et « abandon scolaire » afin de mettre l’accent sur la ténacité plutôt que sur l’échec (Gaudreault et al., 2018, p. 39). La multiplication des recherches autours de cette problématique montre qu’il s’agit d’une question vive, tant au niveau scientifique que politique.
Les neuf chapitres de cet ouvrage s’articulent autour de trois domaines : 1) les projets transdisciplinaires et intersectoriels ;2) les enseignements culturels et artistiques ;3) le numérique et les technologies de l’information et de la communication (TIC). Ce recueil s’appuie ainsi sur la nomenclature des dispositifs mis en place dans le cadre de partenariats entre l’Éducation nationale, des collectivités territoriales et des associations d’éducation populaire.
Cet ouvrage a été réalisé par une équipe de chercheurs en sciences de l’éducation dont l’objectif était de mettre en avant d’une part la multiplicité des formes d’éducation par les arts et d’autre part la complexité de la persévérance scolaire. S’il s’agit de proposer ici des perspectives variées à ces thématiques complexes, il est surtout question d’ouvrir différentes pistes de réflexion qui se croisent et qui se rencontrent.
Émeline Roy est docteure en sciences de l’éducation, membre du programme GCAF (UR 4671 ADEF) d’Aix-Marseille Université. Elle est également enseignante à l’INSPE d’Aix-Marseille.
Lola Papon enseigne à l’INSPE d’Aix-Marseille. Elle est membre du programme GCAF (UR 4671 ADEF) d’Aix-Marseille Université.
“Dans l’ouvrage Le futur de l’éducation et des compétences. Projet Éducation 2030 (OCDE, 2018), plusieurs défis sont identifiés pour l’école de demain. Qu’ils soient d’ordre social, économique ou environnemental, ces défis questionnent les acteurs du monde de l’éducation et de la formation sur leur capacité à accompagner les élèves ou les étudiants à devenir les citoyens de demain. Quelles seront les compétences, les attitudes et les valeurs qui leur seront nécessaires en 2030 ? Comment les systèmes éducatifs et de formation peuvent-ils s’adapter aux exigences de la prochaine décennie ? Les enseignements artistiques ont-ils le potentiel d’apporter des solutions créatives et innovantes ? Comment les recherches en éducation sur les pratiques artistiques contribuent à créer et développer une réflexion sur l’éducation de demain ?
Ce numéro spécial s’appuie sur des recherches multidisciplinaires dans les enseignements artistiques (musique, arts plastiques, théâtre, danse, arts appliqués et design). Il veut être une première proposition à penser l’éducation de demain. Si la dimension humaniste reste toujours à étudier en éducation, d’autres dimensions, didactiques et pédagogiques, numériques et technologiques, sociales, communautaires et économiques, ont investi les pratiques artistiques et leur enseignement. Les recherches en sciences de l’éducation, et plus largement dans l’ensemble des sciences, concernant les enseignements artistiques apportent des résultats qui peuvent affecter l’agir éducatif de toutes les disciplines dans les prochaines années. Ces articles proposent à la fois un état des lieux sur les résultats déjà obtenus, ainsi que des pistes de réflexion sur ce que pourrait être la contribution au renouvellement des perspectives pédagogiques sous l’influence des enseignements artistiques. En d’autres termes, les auteurs de ces recherches montrent comment les pédagogies fondées sur les arts peuvent être source de réorientation de l’activité enseignante et du développement des futurs citoyens dans les champs de l’éducation et la citoyenneté, de la reconnaissance de l’altérité et de l’interculturalité, du bien-être et de la créativité, de l’inclusion et de l’engagement scolaire.”
Notre collègue John Didier de l’HEP Vaud nous annonce la publication de son ouvrage Artefact : enjeux de formation
Contenu
La notion d’artefact désigne aussi bien un objet qu’un système artificiel pour peu qu’il soit conçu, fabriqué et utilisé par l’être humain.
Par son caractère pluridisciplinaire, l’artefact facilite l’ouverture des dialogues entre chercheurs. Ces points de vue diversifiés et contrastés génèrent une grande variété de définitions. Dans cette logique, cet ouvrage collectif propose des regards pluriels sur les artefacts convoqués au sein des actions de formation. Sa dimension transversale offre de nouveaux terrains d’investigations particulièrement féconds pour les recherches en éducation. Par sa spécificité à cristalliser l’activité humaine, l’artefact amène les acteurs de la formation, concepteurs ou usagers, à accéder à la densité des savoirs qu’il contient et qu’il présuppose.
Auteurs
Valérie Batteau, Romain Boissonnade, Nathalie Bonnardel, Jean-François Bourdet, Bernard Chabloz, Stéphanie Dénervaud, Thierry Dias, John Didier, Nicole Durisch Gauthier, Elisabeth Eichelberger, Sonya Florey,Antonio Iannaccone, Alaric Kohler, Antje-Marianne Kolde, Anja Küttel, Nicolas Perrin, Florence Quinche, Samira Mahlaoui, Guillaume Massy, Grégory Munoz, Éric Sanchez, Philippe Teutsch, Caroline Thélin Metello
Table des matières
• Préface – Recteur Thierry Dias • Introduction : L’artefact, des concepteurs aux usagers, quels enjeux pour la formation ? – John Didier, Florence Quinche et Thierry Dias, • Chapitre 1 : Conception d’artefacts et développement de la créativité des enseignants – John Didier et Nathalie Bonnardel • Chapitre 2 : Création d’artefacts pour faire des mathématiques : vers une genèse instrumentale pour conceptualiser ? – Stéphanie Dénervaud • Chapitre 3 : Accompagner des formateurs à la conception d’un scénario pédagogique via un système informatisé : éléments de genèse instrumentale – Samira Mahlaoui et Grégory Munoz • Chapitre 4 : Interfaces de visualisation des parcours en formation à distance, moyen de perception et d’appropriation du dispositif Philippe Teutsch et Jean-François Bourdet • Chapitre 5 : L’enseignant concepteur de séquences à partir d’un dispositif d’enseignement mi fini – Bernard Chabloz et Alaric Kohler • Chapitre 6 : Analyse des pratiques d’une enseignante dans le cadre théorique de la double approche didactique et ergonomique – Valérie Batteau • Chapitre 7 : Innovation et artefacts numériques : devenir auteur au sein des didactiques – Sonya Florey, Nicole Durisch Gauthier et John Didier, • Chapitre 8 : Articuler conception et recherche : leçons apprises dans le cadre d’un projet sur l’usage du jeu pour l’éducation au développement durable – Éric Sanchez • Chapitre 9 : Du jeu vidéo à un artefact numérique d’apprentissage ? Possibilités et points de rupture – Florence Quinche • Chapitre 10 : Artefacts et arts techniques dans Genèse 1 11 et dans les récits prométhéens d’Hésiode et d’Eschyle : analyse textuelle et réflexions didactiques à propos d’un motif mythique et littéraire – Nicole Durisch Gauthier • Chapitre 11 : Du « document authentique » à l’artefactn en cours de langues anciennes – Antje-Marianne Kolde • Chapitre 12 : Résistances matérielles lors de d’activités de bricolage Romain Boissonnade, Alaric Kohler et Antonio Iannaccone • Chapitre 13 : Genèse documentaire et Mutualisation 2.0 : le cas Pinterest comme soutien à la planification de l’enseignement Caroline Thélin Metello et Nicolas Perrin • Chapitre 14 : Étayer l’apprentissage de la conception en activités créatrices et manuelles à l’aide d’un cahier d’atelier : analyse de l’appropriation par les élèves des outils de l’ingénieur et du scientifique – Guillaume Massy et Nicolas Perrin • Chapitre 15 : Utiliser, concevoir et interpréter des objets textiles Elisabeth Eichelberger • Chapitre 16 : Enseigner la conception des objets pour développer l’autonomie des élèves – Anja Küttel
Diffusé-Distribué par
· Boutique en ligne : Éditions de l’UTBM https://shop.utbm.fr/
· Le Comptoir des presses d’universités (pour les particuliers) 86, rue Claude Bernard – 75005 Paris Tél.+33 (0)1 47 07 83 27 https://www.lcdpu.fr/editeurs/utbm/
Programme du séminaire GCAF DATE : Le 23 mars de 14h à 17h LIEU : Inspé de Marseille salle P205 et sur ZOOM
14h-14h10 // Présentation de l’après-midi
14h10h-14h35 // L’interculturalité (1/3)
Intervenant : Mercedes BAUGNIES (Phd en sc. de l’éducation et formatrice à AMU-INSPE)
Durée :10 min de présentation et 15 min de discussion
14h35-15h00 // Observation de la diversité des incarnations au sein d’une équipe pédagogique dans les lancements de sujets par des professeurs de STD2A en création-conception.
Intervenantes : Lola THEBAULT-ROYET et Julie DALMON-RIOU (masterantes M2 MEEF arts appliqués – AMU)
Durée : 10 min de présentation et 15 min de discussion
Résumé : Ce travail entend observer les différents gestes professoraux au sein d’une équipe d’enseignants en Sciences et technologies du design et des arts appliqués (STD2A) dont le travail repose sur des trames pédagogiques définies en commun. Cette comparaison se concentre spécifiquement sur trois situations parallèles de lancements de sujet, moment-clef de l’engagement des élèves dans un projet. Pour ce faire, ont été réalisées des captations vidéos et leurs transcriptions partielles. Les déplacements, les gestes langagiers, le rythme des interactions, la proportion des temps de parole ou encore la construction des tableaux, sont observés et comparés et amènent à interroger l’impact des gestes professoraux sur l’engagement des élèves dans le projet.
15h00-15h40 // L’incitation à l’épreuve de l’enseignement à distance en arts plastiques
Durée : 15 min de présentation et 20 min de discussion
Résumé : à venir
15h55-17h00 // L’intégrité scientifique & L’éthique de la Recherche
Intervenants : Jonathan Mirault (Ph.D. Ingénieur de Recherche en Expérimentation et Analyse de Données, Laboratoire de Psychologie Cognitive, AMU & CNRS, UMR 7290)
Durée : 30 min de présentation et 45 min de discussion
Résumé : Nous aborderons les deux aspects majeurs au sein de toutes recherches scientifiques : l’intégrité et l’éthique. Dans un premier temps il s’agira de comprendre pourquoi ces deux paramètres sont indispensables de nos jours, et principalement en quoi ils ne sont pas limitants dans l’élaboration de méthodologies et de théories innovantes. Puis, dans un second temps, nous aborderons de manière plus concrète le rôle et le fonctionnement des organismes liés à l’éthique en France comme le Comité de Protection des Personnes (CPP) et les Comités Éthiques de Recherche (CER) universitaires.
Hajar Hachimi : La rétroaction : élément clé, en formation continue hybride, pour le développement des compétences didactiques et des habiletés pédagogiques des enseignants de français langue seconde et étrangère. (10 minutes d’intervention)
Yann Vallet : L’apprenant comme moteur du développement professionnel du formateur. (10 minutes d’intervention)
11h20-11h30 : Pause
11h30-12h20 : Session 2 // Rétroactions dans les enseignements artistiques
Antonio Trajanoski : Conception d’un artefact numérique favorisant l’apprentissage de la syntonisation à distance : premières données. (10 minutes d’intervention)
Suzanne Boulet : Les « dialogues plastiques » : une didactique du sensible ? (10 minutes d’intervention)
Manon Ballester et Julia Brissaud : L’autorégulation dans les enseignements artistiques à l’école élémentaire : un processus rétroactif. (10 minutes d’intervention)
12h20-12h45 : Conclusion sous la forme d’une table ronde. Invités : Alexandra Arnaud-Bestieu, Philippe Dessus, Nathalie Rezzi, Eric Tortochot
Le squiggle game : de la psychothérapie au développement de la créativité en situation d’apprentissage
Résumé « court »
Le projet de recherche exploratoire du « squiggle game en situation d’apprentissage pour développer la créativité », s’inscrit dans le cadre d’un financement de post-doctorat par l’INCIAM. Il implique une équipe pluridisciplinaire composée de membres du LPCPP et d’ADEF. Le projet porte sur la dimension créative et innovante du squiggle game, comme jeu polyphonique utilisé en psychothérapie, méthode transposée dans une situation d’enseignement. L’hypothèse est que ce jeu, par la co-construction qu’il implique entre deux sujets qui dessinent ensemble, influence leur activité de dessin en développant leur créativité en situation d’apprentissage. La présentation est structurée en cinq parties. La première partie propose de revenir sur la genèse du projet. Dans un deuxième temps, la démarche préparatoire de la méthodologie qualitative est explicitée. Il s’agit de montrer comment l’équipe est passée d’un jeu entre un thérapeute et son patient, méthode clinique, à un jeu pour apprendre dans une classe avec une enseignante et des élèves en cours, méthode d’analyse sémio-cognitive de l’activité. Le troisième temps de la présentation est consacré à la description de la manière dont la réalité du terrain éducatif a imposé de préparer les outils d’observation en les adaptant à la singularité de la situation et aux besoins de la recherche. Dans un quatrième temps, un échantillon des données collectées est présenté afin de rendre compte de la richesse qui s’en dégage notamment en termes d’indicateurs d’une activité créative. Ce qui est en question porte sur la pertinence de la vidéo pour documenter une pratique graphique et pour collecter les discours sur l’activité créative de dessin. Enfin, la conclusion de la présentation pose la question de la manière d’exploiter ces données. L’enjeu est de faire dialoguer plusieurs paradigmes de recherches : en psychologie et psychanalyse ; en sciences de l’éducation dans les champs disciplinaires artistiques. Ce qui est sous-jacent, c’est la possibilité de mettre à jour, par le croisement des regards disciplinaires sur un même objet de recherche, une forme de créativité par le dessin co-construit non seulement à des fins thérapeutiques mais aussi à des fins d’apprentissage.
Résumé « long »
Le projet de recherche exploratoire du « squiggle game en situation d’apprentissage pour développer la créativité », s’inscrit dans le cadre d’un financement de post-doctorat par l’INCIAM. Il implique une équipe pluridisciplinaire composée de membres du LPCPP (Guy Gimenez, Christian Bonnet et Julie Chevalier qui effectue son post doctorat) et d’ADEF (Pascal Terrien, Christine Poplimont et Éric Tortochot). Le projet porte sur la dimension créative et innovante du squiggle game, comme jeu polyphonique utilisé en psychothérapie, méthode transposée dans une situation d’enseignement. L’hypothèse est que ce jeu, par la co-construction qu’il implique entre deux sujets qui dessinent ensemble, influence leur activité de dessin en développant leur créativité en situation d’apprentissage.
La présentation est structurée en cinq parties.
La première partie propose de revenir sur la genèse du projet : du squiggle comme méthode psychothérapeutique initiée par Donald Winnicott, au squiggle repensé par Julie Chevalier pour accompagner des adolescents en souffrance et au jeu proposé à des élèves de lycée professionnel qui suivent une formation en communication visuelle.
Dans un deuxième temps, la démarche préparatoire de la méthodologie qualitative est explicitée. Il s’agit de montrer comment l’équipe est passée d’un jeu entre un thérapeute et son patient, méthode clinique, à un jeu pour apprendre dans une classe avec une enseignante et des élèves en cours, méthode d’analyse sémio-cognitive de l’activité. La méthode de l’activité filmée a été choisie comme un des moyens de documenter la trace du dessin en train de se faire pour mieux comprendre le dessin réalisé. Cette méthode a été complétée de l’archivage des dessins co-construits et de l’autoconfrontation à la vidéo réalisée. Le dessin numérisé, la vidéo de sa réalisation et l’autoconfrontation documentent de nombreux indicateurs de la création graphique et plastique : le corps impliqué avec les gestes produits ; les instruments employés et la relation au matériau, à la surface, au support de dessin ; les dimensions énonciative, explicative et dialogique au cœur des interactions ; la planification croisée, les négociations, les compromis et les stratégies dans les processus de dessin partagé ; les méthodes engendrées par la confrontation à l’autre ; etc.).
Le troisième temps de la présentation est consacré à la description de la manière dont la réalité du terrain éducatif a imposé de préparer les outils d’observation en les adaptant à la singularité de la situation et aux besoins de la recherche : trouver la classe avec laquelle l’expérimentation était possible tant du point de vue de l’implication de l’enseignante associée au projet que du point de vue de l’acceptation du projet par les élèves ; tester les conditions de l’expérimentation en situation, dans la classe et dans le temps de cours ; faire jouer tous les élèves ainsi que l’enseignante et la chercheure ; imposer une organisation générale avec certains binômes filmés, d’autres pas ; conserver tous les dessins à des fins d’analyse ; préparer les autoconfrontations, c’est-à-dire mettre à disposition les vidéos des binômes filmés et donner le temps de la prise de connaissance des vidéos et du repérage des extraits à commenter ; préserver l’anonymat de tous les participants ; etc.
Dans un quatrième temps, un échantillon des données collectées est présenté afin de rendre compte de la richesse qui s’en dégage notamment en termes d’indicateurs d’une activité créative : les différences de temps de jeu au sein des binômes et entre binômes ; les outils privilégiés par un membre du binôme ou par un binôme, ensemble ; la diversité dans les falsifications, contournements des règles du jeu et dans l’adhésion à ces règles ; les intentions, les vécus, les ressentis, les impensés, les empêchés dans l’agir propre à la co-construction du dessin ; les modification opérées sur le milieu didactique ; etc. Ce qui est en question porte sur la pertinence de la vidéo pour documenter une pratique graphique et pour collecter les discours sur l’activité créative de dessin.
Enfin, la conclusion de la présentation pose la question de la manière d’exploiter ces données. L’enjeu est de faire dialoguer plusieurs paradigmes de recherches : en psychologie et psychanalyse ; en sciences de l’éducation dans les champs disciplinaires artistiques. Ce qui est sous-jacent, c’est la possibilité de mettre à jour, par le croisement des regards disciplinaires sur un même objet de recherche, une forme de créativité par le dessin co-construit non seulement à des fins thérapeutiques mais aussi à des fins d’apprentissage.
Bibliographie indicative
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Chevalier, J. (2021b). La consultation thérapeutique et l’adolescent : variations dans la méthode du Squiggle. Topique, 151(1), 91-103. https://doi.org/10.3917/top.151.0095
Chevalier, J., Bonnet, C., Vollon, C., & Gimenez, G. (2020). Le squiggle et les groupes internes : un jeu polyphonique d’élaboration imaginaire du corps [The squiggle and internal groups: a polyphonic game of imaginary elaboration of the body]. Revue de psychothérapie psychanalytique de groupe, 75(2), 147-156. https://doi.org/10.3917/rppg.075.0147
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Tortochot, É. (2021, 2021-04-29). L’enseignement du design en lycée professionnel : les contraintes du milieu didactique CRIFPE, Montréal, Canada. https://hal.archives-ouvertes.fr/hal-03214270
Tortochot, É. (2022). L’élève, la table et le dessin : postures, gestes, instruments. In H. Duval & C. Charbonneau (Eds.), Le corps apprenant. UQAM.
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Winnicott, D. W. (1971). La consultation thérapeutique et l’enfant [Therapeutic Consultations in Child Psychiatry]. Gallimard.
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