Le GIS « Arts & Éducation » organise une journée méthodologique dédiée aux masterant·es, doctorant·es et jeunes docteur·es, le 30 octobre 2025 Guingamp et en ligne.
La date limite de dépôt des propositions de communication a été repoussée au mercredi 25 juin, minuit !
Le numéro 6 de La Pensée d’Ailleurs – « Transmettre les arts, éduquer par les arts » est paru. Il est possible d’y accéder (ainsi qu’aux numéros antérieurs) par ce lien : https://ouvroir.fr/lpa/index.php?id=429
créativité, lycée professionnel, arts appliqués, design
Résumé
Selon le dernier rapport de l’OCDE, la créativité est l’une des compétences du 21e siècle. En France, au lycée professionnel, elle est spécifiquement travaillée dans la discipline arts appliqués et cultures artistiques. Cette capacité à avoir une idée ou à réaliser une production innovante et adaptée au contexte est marquée par des changements identitaires à l’adolescence. Cette étude s’attache à répondre à la problématique suivante : Comment les élèves de lycée professionnel perçoivent-ils la créativité et comment cette perception évolue-t-elle au cours de leur formation ? Deux hypothèses sont avancées, la première suggère que les élèves préparant un diplôme dans le secteur industriel développent une vision pragmatique de la créativité comparée à celle des élèves du secteur tertiaire ; la seconde postule une évolution progressive de la représentation de la créativité au cours de leur formation. Cette étude approfondit la compréhension de ces représentations en interrogeant des élèves de diverses filières à travers une méthodologie mixte, combinant enquêtes quantitatives (N=596) et entretiens directifs (N=40). Les résultats font état d’une évocation forte entre l’enseignement d’arts appliqués et la créativité. La représentation de la créativité s’affinerait durant la scolarité, passant d’une activité manuelle et personnelle conduisant à une réalisation originale à un processus de création d’artéfact basé sur l’imagination.
Le design et son enseignement : état des lieux et perspectives
Coordination : Éric Tortochot, ADEF-GCAF / INSPE Aix-Marseille, John Didier, CREAT / HEP Vaud et Anja Küttel, HEP/PH Fribourg
Le périmètre théorique et les attendus méthodologiques
Les enjeux
Ce numéro spécial sur l’enseignement du design s’inscrit dans une jeune revue internationale plurilingue consacrée aux enseignements artistiques. Il a pour objectif de faire avancer les débats sous-jacents à cette discipline sur un plan international en offrant un terrain de partage et d’échanges sur des réflexions théoriques et sur des recherches empiriques. Ainsi, l’appel à publication est concentré sur trois axes dont la complémentarité aura d’autant plus de force qu’elle sera débattue par les différentes communautés de spécialistes. Le premier axe repose sur les archives historiques, sur la lecture des textes programmatiques et aussi sur la compréhension des phénomènes d’enseignement-apprentissage. Le deuxième axe propose de regarder plus spécifiquement ce qui se joue dans le dialogue interdisciplinaire du design et de la conception. Le troisième axe a pour finalité d’ouvrir les débats sur la relation de l’homme à l’objet et au réseau dans l’ère de l’anthropocène.
Axe 1 : Épistémologie du design et de son enseignement
L’histoire du design a été principalement construite sur une histoire des objets, des gestes artisanaux et industriels ainsi que des courants stylistiques (Bony, 2012 ; Guidot, 2004 ; Midal, 2013 ; Laurent, 1999a ; Margolin, 2017a, 2017b). Elle a aussi été élaborée à partir de l’histoire des écoles et de celles et ceux qui les ont fondées et structurées. Les premiers enseignements dans les écoles de dessin pour artisans en France dès le milieu du XVIIIe siècle, dans la « Normal School of Design » en Angleterre (1835), dans l’école d’arts appliqués de Vienne (1899), ont contribué à former des dessinateurs de modèles. Avec le Bauhaus, le processus de création et de conception est intégré et le dispositif de formation sera diffusé, imité, développé (le New Bauhaus à Chicago ou encore l’HfG, plus lointaine) (Ascher, 2015 ; Bertrand et Favard, 2022 ; Malherek, 2018 ; Röhl et al., 2021 ; Viehhauser et Küttel, 2021). Parallèlement, les Vhkutemas développent une approche semblable et tournée vers le peuple, mais qui reste limitée à la sphère soviétique (Bagina, 2019 ; Lebahar, 2008). Pour autant, les modèles d’écoles qui favorisent la créativité et la conception se multiplient durant le XXe siècle. Le Black Mountain College en Caroline du Nord en est un exemple (Díaz, 2015 ; Füssl, 2006 ; Margolin, 2017b ; Point, 2018). À leur manière, ces écoles ont transformé le monde. Plus généralement, on peut dire que l’histoire de l’enseignement du design a favorisé la compréhension de ce qui se conçoit aujourd’hui et qui a été enseigné hier et de ce qui s’enseigne aujourd’hui pour concevoir demain.
Ainsi, il nous semble important de poursuivre le travail sur les institutions ou académies de formation au design et sur la conception d’un point de vue curriculaire, technique, matériel (d’Enfert, 2021 ; Laurent, 1999b, 2019 ; Tortochot et Lebahar, 2008 ; Viehhauser et Küttel, 2021). Afin de saisir comment les écoles sont constituées aujourd’hui, les approches peuvent être théoriques ou historiques, voire analytiques. En dévoilant les héritages cachés, ce travail peut aussi contribuer à mieux comprendre l‘influence des écoles de design sur la société par les savoirs et savoir-faire qu’elles ont développés afin de mettre à jour et de clarifier l’évolution des courants épistémologiques et des pratiques (Beaubois, 2022 ; Le Bœuf, 2006, 2015 ; Petit, 2017 ; Petit et Deldicque, 2017). Ces ancrages épistémologiques ne font pas du design et de la conception des disciplines d’enseignement à part entière, dont la place et l’importance seraient incontestables. En revanche, la recherche fondée sur des études comparatives et internationales permettrait ainsi de mieux comprendre comment le design est enseigné aujourd’hui (Addison et Burgess, 2020 ; Park, 2020 ; Stables, 2020). Par ailleurs, de nouvelles approches empiriques ou expérimentales sur des situations d’enseignement du design permettraient de comprendre ce qui est réellement enseigné et / ou ce qui est réellement appris (Didier et al., 2018 ; Didier et Bonnardel, 2020 ; Eichelberger et Rychner, 2008 ; Küttel, 2022 ; Roy et al., 2021).
Axe 2 : Épistémologie de la conception
a) L’activité de conception au niveau épistémologique
Pour prolonger la réflexion, nous ouvrons le débat sur l’activité de conception en regard de l’enseignement du design. Pour ce faire, nous revenons sur la dimension épistémologique de la conception en précisant sa formalisation conceptuelle en tant qu’activité finalisée dans les années 1950 et 1980 (Schmid, 2001). Sur le plan historique, elle remonte aux temps les plus anciens dans le sens où l’être humain pratique depuis toujours la conception (Deforge, 1989). L’apparition de cette activité complexe caractérise des transformations de nos modes de pensées ; elle renvoie à l’organisation du travail ainsi qu’à nos modes de fabrication des artefacts (Simondon, 1989). L’activité de conception engendre une nouvelle relation au travail pour l’être humain. Elle oriente l’évolution de nos systèmes de production à travers les siècles, tout en étant peu visible (Deforge, 1993). Elle retrace l’émancipation de certaines figures, de l’artisan à l’ingénieur, elle fait apparaître de nouveaux positionnements et pratiques dans l’industrie (Barré-Despond, 1998). C’est à travers la figure du designer qu’elle déploie, selon nous, toute son envergure (Boutin, 2017). Également considérée en tant que démarche créative de résolution de problème, l’activité de conception permet de penser l’artefact en tant que système intelligent, œuvrant pour le progrès collectif. La conception mobilise ainsi différents modes de pensée : technique, critique, créative, complexe, éthique, etc. Elle participe à transformer les comportements et les attitudes des différents acteurs du projet de l’objet. La conception au XXIe siècle s’empare de l’éthique du concepteur, elle l’amène à affirmer ses propres valeurs et convictions, à se confronter aux enjeux de l’industrie.
b) L’activité de conception dans les formations en design
Interroger l’enseignement du design implique de revenir sur le rôle de l’activité de conception dans la constitution de ce champ en tant que discipline. Veillard (2008) mentionne le design en tant que discipline de conception. L’activité de conception caractérise une activité complexe qui mobilise différents savoirs particulièrement utiles pour penser et repenser la formation et l’enseignement du design à différents niveaux (Didier et Tortochot, 2021). Qu’il s’agisse d’experts, de spécialistes en devenir, de novices ou de profanes de la conception, cette activité complexe recèle un potentiel pour le développement de l’humain qui mérite d’être enseigné dès le plus jeune âge (Didier et al., 2017). Dans cette perspective nous rappelons le constat posé par Simon (1974) : « Quiconque imagine quelques dispositions visant à changer une situation existante en une situation préférée, est un concepteur » (p. 73). Cette volonté de démocratisation de l’activité de conception à l’ensemble des formations professionnelles et universitaires nous rappelle son rôle central dans l’enseignement du design en tant que levier pour permettre aux individus d’apprendre à penser et repenser les artefacts et les systèmes techniques (Lequin, 2020).
La conception implique un processus, elle formalise une des étapes du projet (Frey, 1996) de l’objet. De fait, elle apparaît incontournable pour rappeler la place du projet dans les formations en design. Qu’il s’agisse du renvoi épistémologique (le design ne peut être séparé du projet) ou pédagogique (en tant que modalité de formation), ce tandem conception et projet mérite d’être à nouveau questionné sur un plan didactique.
Ainsi, cet appel à contribution propose également de questionner le processus de conception selon plusieurs perspectives, à savoir : démocratique, didactique, mais également en lien avec l’évolution même du champ du design (éco-conception, co-conception, design émergent, design critique, design social).
Axe 3 : L’interaction de l’individu et de l’objet comme processus d’apprentissage
Partant de la compréhension scientifique du design selon laquelle le design crée des réalités d’une part et les reproduit d’autre part, la réflexion de Park (2016) et d’autres auteurs sur la didactique du design met en avant l’idée que l’étude du design et des objets de design implique une étude des réalités sociales. L’interaction avec les objets de design d’une société donnée permet d’explorer et de comprendre ses structures, contextes et réalités sociales, ainsi que de les remettre en question. Park parle de « Verfestigung, Veränderung oder Verwerfung von bestimmten kulturellen Selbstverständnissen »[1] (p. 37). Le design, compris comme recherche et développement d’artefacts, offre un moyen d’explorer, de comprendre et de façonner les réalités sociales.
Selon Dewey (1929, 1930), l’apprentissage se fait par interaction avec des objets dans laquelle des gens font des expériences : « essayer », « explorer » ou « tester ». Dewey considère ces « expériences esthétiques » comme des moments importants au cours desquels un processus de pensée est déclenché par la perception sensorielle des objets. Dewey souligne que celle-ci peut élargir la capacité de représentation de l’être humain de manière nettement plus importante que la confrontation purement cognitive avec des phénomènes.
La théorie de l’acteur-réseau de Latour (1998) offre des pistes de réflexion intéressantes sur les confrontations entre l’individu et l’objet. Latour part du principe que les individus sont des acteurs dans un monde. Par leurs actions, ils créent des réalités dans ce monde, ils établissent des structures ainsi que des liens et créent des ambiances. Le monde n’existe donc pas simplement en tant que tel, mais il est façonné par des personnes qui agissent (Latour, 1998). Les individus créent des réalités non seulement par des interactions humaines, mais aussi par des interactions entre les individus et les objets (Latour, 1994). Latour part du principe que les objets font partie intégrante d’une action humaine dans notre système social. Ainsi, il considère également les objets comme une partie active d’une situation en évolution. Ils influencent l’action des individus et deviennent ainsi des acteurs dans un contexte social dont le rôle n’est pas négligeable (Latour, 1994).
En ce sens, l’objet peut jouer le rôle de médiateur entre les apprenants et le monde réel dans l’enseignement de la création.
Les contributions à ce numéro peuvent mettre en lumière la nature de l’interaction entre l’homme et l’objet dans des perspectives de création et de compréhension de la réalité (Latour, 1994, 1998), discuter du rôle de l’objet de design en tant que questionneur didactique et examiner la position des expériences sensorielles dans un processus éducatif.
En conclusion
Nous espérons que ce numéro spécial sera l’occasion d’enrichir le débat sur les spécificités d’une discipline située dans un « entre-deux » (Petit et Guillaume, 2018). Design et technologie pourraient être une troisième culture. Mais ils sont placés dans une situation médiane, celle du « mi-lieu » (l’entre-deux et le lieu de vie) (Petit, 2017). Le design et la conception ne seraient donc ni un art, ni une technique, ni une ingénierie, mais tout à la fois ou entre toutes ces disciplines, quelque part. En ce sens, parce qu’ils sont au mi-lieu, ils favorisent les articulations, les relations, les assemblages. Par exemple, l’enseignement du design et de la technologie sont au cœur des enjeux de la « démocratie technique » et des ambitions de l’école pour 2030 (Didier et Tortochot, 2021) en visant l’autonomie des élèves (Küttel, 2022).
Anxiété versus créativité dans l’apprentissage musical
Pascal Terrien, Aix-Marseille Université, UR 4671 ADEF-GCAF Emmanuelle Huart, Aix-Marseille Université, UR 4671 ADEF-GCAF
Résumé
L’anxiété et le stress sont parfois à l’origine du découragement et du désengagement d’un élève dans sa scolarité musicale (Arcier, 1998, 2004 ; André et Légeron, 2003). Des études ont été réalisées sur ce phénomène (Butler Smith, 2003 ; Laloux, 2019) pour identifier les indicateurs qui pourraient aider les professeurs de musique à accompagner leurs élèves dans la maitrise de cette inhibition (Houdé, 2007). Par ailleurs, quelques études ont montré que la créativité est utilisée dans l’enseignement musical comme un moyen de développement des processus d’apprentissage. En effet, la notion d’endocept (Arieti, 1976 ; Getz et Lubart, 1998 ; Zenasni et al., 2002) et un apprentissage par l’activité créative (Terrien et Huart, 2021) semblent favoriser des inhibitions positives chez les élèves. À la suite de travaux publiés en 2018 (Terrien et Huart, 2018, 2019), nous présentons une étude exploratoire réalisée sur de jeunes pianistes qui suscite quelques pistes de réflexion.
Mots-clés
apprentissage musical, stress, anxiété de la performance musicale, créativité, résonance émotionnelle, endocept, cognition incarnée, enaction.
Un article d’Émeline Roy publié dans la Revue des Sciences de l’éducation (Canada).
Le texte a été mis en ligne par la revue québecoise à la fin du mois d’octobre 2022. Il porte sur une approche didactique de la discipline d’enseignement des Arts appliqués en lycée professionnel.
Page d’accueil de l’article dans la revue
L’article proposé par Émeline Roy est une introduction à une réflexion didactique sur la discipline d’enseignement obligatoire du design en lycée professionnel. Il s’agit d’une synthèse d’un des chapitres les plus importants de sa thèse : que se passe-t-il lors d’une activité de création-conception prescrite par un⋅e professeur⋅e, quand l’élève doit imaginer et concevoir un objet ou un visuel répondant à un certain nombre de contraintes formelles et fonctionnelles ? É. Roy constate qu’il existe en Arts appliqués la possibilité d’un contrat didactique dans lequel une forme de dévolution représenterait une alternative à l’enseignement par mimétisme. Autrement dit, soit les élèves agissent par eux-mêmes parce que l’enseignant favorise cette situation, soit ils imitent l’enseignant parce que ce dernier ne leur laisse pas le choix. Dans ce cas, il s’agit souvent d’un impensé du contrat didactique.
É. Roy précise dans son résumé que “cette recherche présente les typologies de ruptures ou de négociations de contrat didactique au regard des tâches prescrites et des activités réalisées. Il s’agit de repérer ces moments de ruptures afin de les caractériser, et de proposer des pistes pour les anticiper et favoriser la dévolution. Les résultats montrent que la tâche prescrite est parfois empêchée par un contrat didactique insuffisamment pensé et que le milieu initial ne possède parfois pas tous les prérequis à la dévolution.”
Parution du nouvel ouvrage “Le sens de l’école. Clinique des souffrances scolaires et des trajectoires créatives” par Amira Karray
Quel sens à l’école aujourd’hui dans des sociétés marquées par la violence, la stigmatisation, le harcèlement et le décrochage? Quelles issues possibles pour les enfants, adolescents, familles et professionnels qui s’y rencontrent ? À travers une approche clinique du symptôme scolaire, ce livre analyse les résonances familiales, sociétales, institutionnelles, politiques, historiques, dans l’expérience scolaire d’un enfant/adolescent. Respectivement miroir de la société et témoin des souffrances contemporaines, l’école et l’enfant reflètent la diversité des difficultés scolaires. Comment les transformer pour en faire un levier pour des trajectoires scolaires créatives ? Étayé sur les recherches en psychologie et en sciences humaines, des observations du milieu scolaire et des rencontres cliniques, cet ouvrage propose d’emprunter les chemins de l’école dans leurs singularités, leurs complexités et leurs spontanéités, pour en saisir les défaillances, le(s) sens et les innombrables potentialités. Il est une invitation à tenter la rencontre avec l’enfant/adolescent derrière l’élève. Une invitation à réinventer, au-delà du symptôme, le lien et la construction du sens.
Amira Karray est Maître de conférences en psychologie clinique au Laboratoire de psychologie clinique de psychopathologie et de psychanalyse à l’Université d’Aix-Marseille (EA 3278). Docteure en psychologie et psychologue clinicienne, elle travaille auprès d’enfants, adolescents et adultes.
Macarena-Paz Celume et Franck Zenasni proposent un numéro spécial de la revue “Journal of Intelligence” qui rassemblerait des études originales, des revues et des articles théoriques combinant idéalement deux concepts principaux, celui de la créativité et celui de l’intelligence émotionnelle, ou des conceptions connexes (par exemple, la créativité émotionnelle, les compétences socio-émotionnelles, etc.). Avec ce large champ d’application, ils recherchent des soumissions qui abordent un ou plusieurs (mais pas seulement) des sujets suivants :
– Le développement à la fois de la créativité et de l’intelligence émotionnelle par le biais de formations ou de programmes chez les adultes ou les enfants (veuillez préciser la population étudiée dans votre soumission) ;
– L’évaluation combinée de la créativité et de l’intelligence émotionnelle/compétence émotionnelle (outils ou méthodes de mesure) ;
– Les influences de l’intelligence émotionnelle sur la créativité ou vice versa ;
– Les liens théoriques entre la créativité et l’intelligence émotionnelle.
Si votre proposition d’article n’aborde aucune des catégories proposées précédemment, mais que vous pensez qu’il est en phase avec les principaux concepts qui sont proposés dans ce numéro spécial, les éditeurs vous invitent à soumettre votre manuscrit.
Les Journées de juin du GCAF 2022 « Altérité et interculturalité au service des apprentissages » Rencontres internationales – 15 et 16 juin 2022
Pour la deuxième année consécutive, l’équipe du programme Le geste créatif et l’activité formative (GCAF) au sein de l’UR 4671, organise ses journées de rencontres internationales. Soutenues par la Structure Fédérative d’Études et de Recherches en Éducation de Provence (SFERE-Provence, FED 4238), ces « Journées de juin » auront lieu les 15 et 16 juin 2022, à l’INSPE d’Aix en Provence (2 Av. Jules Isaac). Elles seront dédiées à l’altérité et l’interculturalité au service des apprentissages.
En s’appuyant sur des environnements théoriques pluridisciplinaires, l’objectif de ces deux journées est d’étudier le rôle des enseignements, en particulier des enseignements artistiques, pour repenser la relation à l’autre dans une dimension interculturelle et créative, permettant le développement des savoirs et compétences nécessaires à un citoyen apte à s’intégrer dans un monde en mutation en respectant les choix de chacun.
9h30-9h40 : Introduction au séminaire par Pascal Terrien.
9h40-10h40 : Myriam Radhouane (Université de Genève) : Enseigner en contexte d’interculturalité, regards théoriques
10h40-10h50 : Pause
10h50-12h10 : Session 1 sous la présidence de Emeline Roy
10h50-11h10 :: Mercedes Baugnies, Marie Lucy et Pascal Terrien (Aix-Marseille Université) : La culture au service des apprentissages en contexte interculturel
11h10-11h30 . Manon Ballester (Aix-Marseille Université) : L’influence de la pratique musicale sur le développement de l’autorégulation et de l’esprit critique des élèves de primaire : méthodologie et préexpérimentation
11h30-11h50 : Isabelle Claverie (Université Bordeaux-Montaigne): Education à l’image au lycée : l’identité disciplinaire à l’épreuve de l’altérité professionnelle
13h30-13h50 : Emeline Roy (Aix-Marseille Université) et Christophe Moineau (Aix-Marseille Université et Université de Nîmes) : Le rapport aux autres en Master Design et Innovation Sociale
13h50-14h10 : Marine Royer (Université de Nîmes) : Faire avec : retour sur la fabrication d’un tierslieu mobile et intergénérationnel au sein d’un pôle gérontologique Nîmois
11h-12h : Session 2 sous la présidence de Pascal Terrien
11h-11h20 : Alice Delserieys, Eric Tortochot (Aix-Marseille Université) et Pauline Arnaud: Les kits scientifiques de Kutì Kutì : apprentissage des arts et sciences
11h40-12h : Cléo Fauquet (Aix-Marseille Université) : Aladdin au prisme des stéréotypes de genres, comment des actions d’éducation peuvent-elles influer le jugement des élèves ?
14h10-14h30 : Alexandra Arnaud-Bestieu (Aix-Marseille Université) : Présentation du numéro spécial de la revue Questions Vives-Recherches en éducation : La place des enseignements artistiques en 2030.
L’enseignement du design au lycée professionnel est dispensé en arts appliqués et cultures artistiques. Cette discipline a la particularité de faire converger des connaissances interdisciplinaires pour l’étude d’un objet précis. Par la mise en place de démarches analytiques et créatives ancrées dans des thématiques de design et par l’utilisation de moyens d’expressions variés, les buts de cet enseignement sont d’acquérir un savoir-être et de développer des compétences culturelles et citoyennes chez les élèves. Pour parvenir à élaborer les fondements didactiques d’une telle discipline, cette thèse s’appuie sur un cadre théorique élargi. La théorie des situations didactiques permet de repérer les décalages entre les apprentissages attendus, les tâches prescrites et l’activité réalisée, cela par l’observation de négociations et ruptures du contrat didactique. La transposition didactique ascendante des savoirs permet de comprendre quels types de savoirs prescrits sont fondés sur l’épistémologie pratique de l’enseignant. Et enfin, la caractérisation des différents gestes du professeur facilite la compréhension de ses préoccupations et de ses différentes postures. La méthodologie est mixte, une phase qualitative basée sur la vidéoscopie de huit séances de trois enseignants succède à une phase quantitative qui prend la forme d’une enquête auprès de 198 professeurs. Les résultats attestent que pour qu’une situation de dévolution ne conduise pas à des ruptures, le milieu didactique doit être pensé différemment, l’enseignant doit s’envisager comme une ressource et non pas se positionner sur un modèle transmissif, en ignorant les conceptions préalables de l’élève. Ils montrent également que les outils de représentation graphique (ou numérique) sont souvent une cause de rupture de contrat. Les résultats confirment que la transposition didactique interne des savoirs en arts appliqués, est en partie fondée sur l’épistémologie pratique de l’enseignant. Par ailleurs, les gestes de l’enseignante débutante sont moins nombreux que ceux de l’enseignant expérimenté.
Thesis resume
The teaching of design in vocational high school is provided in applied arts and artistic cultures. This discipline has the particularity of bringing together interdisciplinary knowledge for the study of a specific subject. By setting up analytical and creative ap-proaches anchored in design themes and using various means of expression, the goals of this teaching are to acquire a know-how and to develop cultural and civic skills at students. To succeed in developing the didactic foundations of such a discipline, this thesis is based on a broad theoretical framework. The theory of didactic situations makes it possible to identify the discrepancies between the expected learning, the prescribed tasks and the activity carried out, by observing negotiations and breaches of the didactic contract. The ascending didactic transposition of knowledge makes it possible to understand what types of prescribed knowledge are based on the practical epistemology of the teacher. And finally, the characterization of the different gestures of the teachers makes it possible to understand their preoccupations as well as their different postures. The methodology is mixed, a qualitative phase based on videos of eight sessions of three teachers follows a quantitative phase which takes the form of a survey of 198 teachers. The results attest that for a devolution situation not to lead to ruptures, the teaching environment must be thought of differently, the teacher must see himself as a resource and not position himself on a transmissive model in ignoring the student’s prior conceptions. They also show that graphical (or digital) representation tools are often a cause of breach of contract. The results confirm that the internal didactic transposition of knowledge in applied arts is partly based on the practical epistemology of the teacher. On the other hand, the gestures of the beginning teacher are less numerous than those of the experienced teacher.
Séminaire GCAF 15 et juin 2021 Inspé Aix-en-Provence // salle de conférence
Interdisciplinarité, Création et Innovationau service des apprentissages
Mardi 15 juin 2021
9h-9h30 : Accueil
9h30 : Introduction au séminaire par Pascal Terrien
9h30-10h30 : Professeur Frédéric Darbellay, Responsable de la Cellule Inter- et Transdisciplinarité et Directeur-adjoint du CIDE. Université de Genève : L’interdisciplinarité : concepts, créativité, individus
10h30-12h : Session 1 sous la présidence de Pascal Terrien
10h30-10h50 : Eric Tortochot, Sandrine Eschenauer, Noémie Olympio et Caroline Hache : Les effets d’une recherche collaborative avec méthodologie mixte sur un dispositif innovant éducatif d’enseignement de l’anglais en lycée professionnel
10h50- 11h10 : Emeline Roy : Définition évolutive de la créativité par les élèves et actes de créativité manqués : des entraves à l’enseignement d’activité de création-conception en lycée professionnel ?
15h15- 16h30 : Session 3 sous la présidence de Christophe Moineau
15h15-15h30 : Eric Tortochot et Alexandra Arnaud-Bestieu : Présentation de l’ouvrage « Geste créatif, activité formative. Les enseignements artistiques pour réengager les élèves dans les apprentissages » publié par L’Harmattan
15h30-16h30 : Table ronde : bilan de la journée avec la participation de Frédéric Darbellay
Mercredi 16 juin
9h-9h15 : Accueil
9h15-10h45 : Session 1 sous la présidence d’Émeline Roy
9h15-9h35 : Nathalie Rezzi : Former les professeurs des écoles à croiser les enseignements.
9h35-9h55 : Julia Brissaud : Le respect d’autrui comme savoir fondamental à l’école.
9h55-10h15 : Alexandra Arnaud-Bestieu : Mieux comprendre le développement de la créativité : apports d’une analyse microdidactique en danse à la théorie multivariée
10h15-10h45 : Discussion
10h45-11h Pause
11h-12h : Session 2 sous la présidence d’Éric Tortochot
11h-11h20 : Antonio Trajanoski : L’autorégulation de l’apprentissage lors d’une activité de syntonisation médiatisée par un artefact numérique chez des enseignants en difficultés.
11h20-11h40 : Manon Ballester : La pratique instrumentale : un vecteur de développement de l’esprit critique comme savoir fondamental et interdisciplinaire à l’école primaire.
11h40-12h : Discussion
12h-13h30 : Pause déjeuner
13h30-15h : Session 3 sous la présidence de Nathalie Rezzi
13h30-13h50 : Lola Papon : Grounded Theory : une méthode permettant l’innovation dans l’analyse de la persévérance scolaire ?
Organisé par Stéphane LAURENT Maitre de Conférences HDR, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne
9h30-10h Présentation de recherches sur Paul Iribe (1883-1935), illustrateur et décorateur, par Lucie BarisetMarc, doctorante à l’Université Paris 1, sous la direction de Stéphane LAURENT.
« Il dessinait avec grâce, d’un trait soigné, comme sa personne. (…) Il avait des dons pour tout. Il en avait trop. Il les dispersait. » Cette citation résume en quelques mots la trajectoire de Paul Iribe. L’historien qui se risque à entreprendre des recherches à son sujet est confronté à deux écueils majeurs : d’une part, ce débordement de talent qu’il disperse et se traduit par des voltes faces constantes, rendant difficile aux chercheurs de trouver une unité, un lien qui ne soit pas factice entre les différents champs artistiques auxquels il s’est essayé, et d’autre part, le dénigrement dont il fut l’objet.
Artiste polymorphe, Iribe passe avec autant d’aisance de la caricature aux décors de cinéma, du journalisme au dessin de bijoux, de la mode à la scénographie, de la publicité à la décoration intérieure, et ce sur un laps de temps très court. Dès, la réussite arrivée, il se lasse. Chez Iribe, le succès a toujours pour pendant immédiat le désintérêt. Et là, précisément, réside toute l’ambiguïté de cet esprit talentueux : c’est à la fois un travailleur acharné, méticuleux jusqu’à l’obsession, et un dilettante. Mais, paradoxalement, c’est cette versatilité qui fait tout l’intérêt de cette recherche. Suivre le parcours d’Iribe, tel un feu d’artifice, c’est regarder dans différentes directions à la fois, c’est appréhender la pluralité artistique de ces années 1910, c’est tenter d’en saisir ces courants porteurs de valeurs contradictoires qui façonnent ces années d’avantguerre.
Esprit indépendant, comme pour compliquer encore un peu plus la tâche du chercheur, Iribe répugne à participer aux manifestations collectives. Aussi, se tient-il en marge des foires et salons artistiques de l’époque. Cette singularité, et son talent, lui valent de collaborer avec les plus talents de sa génération tel Poiret ou Paquin et d’être remarquée par les plus grands mécènes de l’époque à l’instar de Jacques Doucet. Toutefois, cet esprit un peu trop désinvolte, lui joue des tours. Pendant, il s’exile aux États-Unis. Là, s’il travaille d’arrache-pied avec Cecil DeMille, il connait avant tout l’anonymat des grands studios. De retour en France, celui dont le poète André Salmon, dans ses Souvenirs sans fin dit qu’un instant, que sa « renommée fut comparable à Paul Poiret »[1] n’est plus. C’est un oublié. En s’exilant Iribe s’est mis à l’index de toutes les tendances nouvelles – dont il fut l’un des précurseurs – et s’est tenu à l’égard de ces « Années folles » dont la guerre a accouché. L’aigreur pointe. Armé de son label « La marque France », il mène campagne contre le « cube », la standardisation, l’hygiénisme. Une lutte s’engage. Des quotidiens comme L’Amour de l’art s’étonnent de son soudain conservatisme. Des « détracteurs de l’art moderne » il y en a toujours eu mais le plus décevant ce sont les critiques émises par des artistes que l’on pensait acquis à sa cause : « C’est actuellement ce qui a lieu avec Paul Iribe qui, ayant été avant la guerre un des instigateurs de l’art décoratif moderne, passe aujourd’hui dans le camp des opposants »[2]. Sa relation amoureuse avec Gabrielle Chanel, la relance de son quotidien le témoin, fondé avant-guerre, et sa prise de direction à la tête de la Revue Ford France qu’il rebaptise, pour l’occasion, Revue des Sports et du Monde, semblent l’apaiser un peu. Répit de courte durée puisqu’après quelques numéros, il meurt foudroyé d’une crise cardiaque, le 21 septembre 1935, à La Pausa, villa d’été de Gabrielle Chanel.
À l’exception de l’exposition « Le décor de la vie de 1900 à 1925 » (Pavillon de Marsan, Musée du Louvre,
1937) qui fait une part belle à ses créations, Paul Iribe tombe rapidement dans l’oubli. Au milieu des années 1970, alors que se fait jour un engouement pour l’Art déco. Le nom d’Iribe revient timidement mais l’intérêt que lui portent les historiens est moindre comparé à un Ruhlmann ou un Groult. À cela deux raisons : la rareté de son mobilier ; il n’a réalisé qu’une cinquantaine de meubles et ce, sur une durée très courte, allant de 1912 à 1914. Mais surtout, il fut l’objet d’une véritable cabale menée par Édmonde Charles-Roux. L’écrivaine académicienne, publie en 1974 un ouvrage retraçant l’itinéraire de Gabrielle Chanel à laquelle elle voue une véritable admiration. Dans son livre L’Irrégulière ou mon itinéraire Chanel – rédigé à l’insu de la couturière- elle accable Paul Iribe de tous les maux. Truffé d’erreurs, d’imprécisions, d’interprétations sans fondement, l’ouvrage lance la légende noire de Paul Iribe. Les historiens, et plus particulièrement les historiens de la caricature, s’y réfèrent – sans jamais vérifier – ses propos. Aussi, recopient-ils inlassablement les mêmes erreurs, même les plus grossières à commencer par son identité ; ainsi, l’écrivaine annonce : « Iribe était le pseudonyme que s’était donné Paul Iribarnegaray à ses débuts dans le dessin satirique, autour des années 1900 ». D’où sort-elle cette “fantaisie” ? L’acte de naissance n°351 du registre d’État civile d’Angoulême, ne laisse pourtant aucun doute : le 8 juin 1883 est né « Joseph Paul Iribe ». Mais cette négligence est un moindre mal par rapport aux monstruosités que l’académicienne fait endosser à l’amant de Chanel pour minimiser – presque excuser – l’attitude de son idole pendant la guerre. Elle lui « invente » des propos qu’il n’a pas tenu dans son témoin, lui reproche son influence néfaste et va jusqu’à lui imputer la responsabilité de sa collaboration avec l’ennemi, alors qu’Iribe est mort, rappelons-le en 1935. L’ouvrage fouillé de l’ancien diplomate américain Hal Vaughan, Dans le lit de l’ennemi : Coco Chanel sous l’Occupation, n’a pas suffi à rendre justice au décorateur.
La mémoire de Paul Iribe durablement entachée par l’ouvrage d’Édmonde Charles-Roux explique probablement, en grande partie, son absence de l’historiographie. Aussi, nous a t’il parut intéressant et opportun de redonner toute sa place à cet artiste qui contribua à façonner, plus qu’aucun autre, le style de son époque.
10h-10h30 Présentation de recherches sur l’ensemblier et décorateur Louis Sognot (1892-1970), par William Le Calvez, doctorant à l’Université Paris 1 sous la direction de Stéphane LAURENT.
Cette thèse se propose de reconstituer le parcours artistique de Louis Sognot, artiste décorateur et ensemblier, qui connaît une carrière exceptionnellement longue, qui s’étend depuis son entrée en 1922, comme dessinateur au sein de l’atelier Primavera des grands magasins du Printemps jusqu’au début des années 1960. Ancien élève de l’école Bernard Palissy-Germain Pilon, Louis Sognot se forme chez les grands fabricants parisiens (Krieger, Jansen…). L’ingéniosité et la richesse d’inspiration du travail de Louis Sognot sont rapidement remarquées lors de sa participation aux premiers salons parisiens de l’après-guerre. Son mobilier et ses projets de décors intérieurs sont caractérisés par un traitement moderne et un sens inné de la composition spatiale. Il participe à la construction d’un fonctionnalisme à la française, conçu comme une hybridation entre une simplification des formes et la recherche d’un grand souci esthétique. Louis Sognot soutient que les arts décoratifs, autant que les arts majeurs, peuvent révéler la manière dont les questions sociales, politiques et économiques affectent l’architecture. Louis Sognot conquiert toutes les catégories du public, de la classe ouvrière à la classe moyenne, en répondant aux exigences économiques et sociales et en proposant un mobilier contemporain, reflet de son époque et accessible dans une optique d’édition en série. Il s’adresse aussi bien aux «princes», lorsqu’il participe au grand chantier collectif de la résidence du Maharajah d’Indore entre 1930 à 1932, qu’aux industriels, avec la Salle de Conseil des Usines Chimiques U. C. L. A. F; les laboratoires Roussel. La capacité inventive de Louis Sognot a recours à tous les moyens de fabrication inédits proposés par l’industrie et il exploite les nouveaux matériaux de la modernité : le métal, l’aluminium, le duralumin, le lakarme et l’osier, mais aussi la peinture au Duco. Lors du salon d’automne de 1927, Il présente un mobilier aux structures tubulaires métalliques, un bar et un fumoir, et cela, à égalité, avec Charlotte Perriand et Le Corbusier. Il fonde en 1929, à l’occasion d’une courte association avec Charlotte Alix, le Bureau international des arts français, et ils deviennent la même année, membres actifs de l’union des artistes modernes en 1929. La richesse d’invention de Louis Sognot, qui ne peut se résumer à quelques grands traits énoncés en grandes périodes, imposait la réalisation d’un véritable catalogue de ses œuvres, notamment en s’appuyant sur le fond de dessins, projets et photographies conservés au musée des Arts décoratifs de Paris, objet de la donation réalisée en 1973.
10h30-11h Présentation de recherches sur le projet Shell par l’agence de design pionnière Compagnie d’esthétique industrielle (CEI, fondée en 1952 par Raymond Loewy) par Didier Paccoud, doctorant à l’Université Paris I sous la direction de Stéphane LAURENT.
Le 3 mai 1967, Raymond Loewy écrit à E. Spaght, Président de Shell International et va le convaincre de confier à la Compagnie de l’Esthétique Industrielle (CEI), une des premières agences de design en France, un vaste programme de design global. Fondée par Raymond Loewy en 1951, français naturalisé américain qui a fondé une agence de design à succès aux États-Unis, la CEI va mener à bien ce projet international de 1967 à 1974. Raymond Loewy est reconnu comme un des pères fondateurs du Streamline aux Etats-Unis, il affectionne particulièrement tous les projets liés à la mobilité. Deux designers chevronnés des équipes de la CEI sont en concurrence sur le cœur du projet, les stations-service : René Labaune, directeur de la section produits et Michel Buffet, directeur du département Architecture et Transports. Ces deux designers travaillent en étroite collaboration avec le comité de pilotage constitué d’une équipe pluri-disciplinaire menée par Evert Endt, directeur artisitique de la CEI à l’époque. L’éclairage nouveau que nous apportons est de nous intéresser au concept de stations-service concurrent et non retenu, le concept Pitched Roof Philosophy, PR-X. Designé par René Labaune, à l’appui de documents inédits. Son point de vue et le regard d’Evert Endt, nous apportent un point de vue sur le fonctionnement d’une des plus grandes agences de design en France à l’époque, la collaboration avec un client, la paternité d’un projet. Nous rendons également compte du rôle clé, à la fois complexe et stratégique joué par Raymond Loewy dans ce projet à la portée mondiale. Cette recherche vient contredire certaines critiques adressées à Raymond Loewy et aux équipes de la CEI, parfois accusés d’un défaut de créativité et de privilégier l’aspect commercial au détriment d’un design novateur et pertinent.
11h-11h30 : échanges et discussion.
11h30-11h45 : pause.
11h45-12h15 Présentation des activités du GCAF (Le geste créatif et l’activité formative) par Pascal Terrien, Professeur des Universités, et Eric Tortochot, Maître de Conférences, Université Aix-Marseille. Le GCAF est un programme de recherche pluridisciplinaire et pluricatégoriel qui réunit des chercheur.e.s et enseignant.e.s-chercheur.e.s de différents domaines scientifiques et de différentes disciplines d’enseignement, ainsi que des professeurs agrégés et certifiés, des doctorants et masterants, des experts du monde de l’entreprise et des institutions. Nous proposons une intervention en deux temps.
Nos travaux interrogent la nature du geste créatif et de l’activité formative. La première intervention s’inscrit dans la thématique “Modernité, créativité, et innovations dans la champs de l’éducation artistique”. Nous souhaitons expliciter comment nous faisons dialoguer nos épistémologies et nos méthodologies pour trouver des paradigmes communs qui nous permettent de travailler ensemble.
Par ailleurs, nous présenterons notre recherche sur l’enseignement du design et de l’industrie qui aborde les questions d’épistémologie disciplinaire: entre ce qui devrait être enseigné et ce qui s’enseigne réellement en design (pour développer une compétence de conception, de pensée réflexive, de créativité), en vue d’un renouvellement des héritages conceptuels du design comme métier. Nous croiserons cette approche avec les enjeux propres à la modernité et à l’industrie.
« Entre analogie et numérique le jeu dans les milieux éducatifs »
9h : Introduction
Présentation de la journée et des programmes GCAF et du LINE. Tour de table des participants.
9h20 : Nathalie Rezzi, Le Jeu
Le programme GCAF ouvre chacun de ses séminaires de recherche avec la présentation épisodique d’une notion. Pour ce séminaire public, Nathalie Rezzi aborde la notion de Jeu (Ep. 1/3). Un temps d’échange et de débat est ensuite prévu après l’intervention d’une dizaine de minutes.
Nathalie Rezzi est enseignante agrégée d’histoire-géographie à l’Inspé d’Aix-Marseille Université, responsable de l’UE « Faire classe : apprentissages des élèves et activité du PE » sur le site d’Aix-en-Provence. Docteure en histoire, elle est membre du programme de recherche Geste créatif et activité formative (GCAF) au sein du laboratoire Apprentissage, Didactique, Évaluation, Formation (UR 4671 ADEF) d’Aix-Marseille Université. Ses travaux de recherche portent sur l’enseignement de l’histoire dans le premier degré et le développement de la polyvalence chez les professeurs des écoles.
9h50 : Magali Brunel, Le jeu de construction est-il un avant-texte créatif ?
Résumé
La communication vise à présenter une expérimentation développée sur l’année scolaire dans une classe de CM2 d’une école REP + de Toulon. Elle souligne l’intérêt de l’usage des jeux de construction dans le développement des compétences de production écrite, prolongeant une piste didactique qui avait jusque-là été exploitée essentiellement pour les apprentissages de l’oral en maternelle.
Biographie:
Magali Brunel est maître de conférences habilitée à diriger des recherches au sein de l’ESPE de l’université Nice Sophia-Antipolis, membre du groupe de recherche LINE. Ses travaux de recherche portent sur l’enseignement de la lecture/littérature à l’ère du numérique. Elle expérimente de nouvelles pratiques d’enseignement intégrant les outils et ressources numériques et cherche à adapter les pratiques sociales culturelles numériques dans le contexte scolaire. Elle est l’auteur de Enseigner la littérature à l’ère du numérique, qui paraît ces prochains jours (PUR, 2021).
Brunel, M. (2018). « Les fanfictions : s’approprier les textes en devenant auteur », PNF, Le Rendez–vous des Lettres 2018, Qu’est-ce qu’un texte pour la classe ? Corpus, texte, et interprétation, mai 2018.
Brunel, M. (2017). « Les fanfictions, espaces d’appropriation et de co-interprétation », colloque écriTech’8, Nice, mai 2016
Ouvrages :
Brunel M. & Quet F, (2018), L’enseignement de la littérature avec le numérique. Peter Lang.
Articles :
Brunel, M. (2018). « Les écrits de fanfiction dans la classe », Le français aujourd’hui, La conversion du littéraire, 200, Mars 2018, 31-42.
Brunel M. & Guérin-Callebout C. (2017). « Écrire dans », écriture littéraire sur écran. présentation d’une expérimentation en classe de 3e année du primaire. in Revue de recherche en littératie médiatique multimodale, L’écriture numérique à l’école, nouvelles textualités, nouveaux enjeux, 3. http://litmedmod.ca/sites/default/files/pdf/r2-lmm_vol3_brunel.pdf
Brunel M. & Quet F. (2017). La lecture et les ressources numériques : état des lieux des pratiques d’enseignement dans le secondaire en France », Revue de recherche en littératie médiatique multimodale, Du texte à l’écran : nouveaux corpus, nouvelles pratiques dans l’enseignement de la littérature, 5, http://litmedmod.ca/sites/default/files/pdf/r2-lmm_vol5_brunel-quet.pdf
10h40 : Pause
11h : J-P. Moreau, P. Terrien, E. Tortochot, Le « compagnon numérique audio-visuel » et les profils temporels perçus
Résumé
Durant tout le XXe siècle le son et l’image en mouvement, de par les moyens technologiques d’enregistrement et de montage, ont vu leurs productions se rapprocher jusqu’à se confondre en productions instituées : le cinéma, le clip musical ou l’art vidéomusical émergent. Or s’il existe de nombreuses propositions permettant de former l’élève à la reconnaissance des instruments, des genres, styles et formes musicaux par la perception, d’une part, aucune n’a donné lieu à une étude sur leur portée dans l’acquisition d’un esprit critique sur la perception audio-visuelle des élèves, et d’autre part, aucune ne s’intéresse au processus du développement de l’esprit critique des élèves dans le domaine de l’audio-visuel.
Adossés aux résultats des recherches menées par J.-P. Moreau au laboratoire Musique et Informatique de Marseille (MIM) portant sur la sémiose temporelle émergente dans les œuvres audio-visuelles vidéomusicales sous la forme de Profils Temporels Perçus, nous travaillerons à la conception d’un compagnon numérique destiné à l’étude des perceptions audio-visuelles des élèves de collège. Le but de cette interface sera d’aider l’enfant à affiner sa perception de la relation interdiscursive dans les œuvres audio-visuelles auxquelles il est confronté, afin de lui permettre de développer ses capacités de raisonnement critique dans sa relation à l’audiovisuel.
Jean-Pierre Moreau est compositeur, Docteur en musicologie et Président du laboratoire MIM (Musique et Informatique de Marseille). Il est chercheur-associé au laboratoire, Perception, Représentations, Image, Son, Musique, UMR7061 PRISM. Il est également chercheur-associé au laboratoire, Apprentissage, Didactique, Évaluation, Formation, UR4671-ADEF au sein duquel il participe au programme de recherche GCAF « le Geste Créatif et l’Activité Formative ». Ses travaux portent sur la sémiose temporelle dans les oeuvres audiovisuelles, la relation entre les médias audio et visuel perçue métaphoriquement par l’audio-spectateur et la rhétorique audio-visuelle qui potentiellement résulte de cette perception.
Pascal Terrien est professeur des universités en didactique des arts (CNU 70e et 18e section) à Aix-Marseille Université (AMU) et professeur au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris (C.N.S.M.D.P.). Il est directeur de la structure fédérative SFERE-Provence, FED 4238. Chercheur permanent de l’équipe d’accueil Apprentissage Didactique Evaluation Formation UR 4671-ADEF, et il y dirige le programme de recherche « Le geste créatif et l’activité formative » (GCAF). Chercheur associé à l’Observatoire Interdisciplinaire de Création et de Recherche en Musique (OICRM), Canada, ses recherches en musicologie didactique portent sur l’enseignement musical (théorique, instrumental et vocal). Ces dernières travaux et recherches collaboratives ont porté sur les identités professionnelles des professeurs de musique, les pédagogies collaboratives, sur l’épistémologie des enseignements de la musique, et l’impact du numérique dans les pratiques enseignantes.
Éric Tortochot est Maître de conférences en didactique des enseignements artistiques et technologiques. Il enseigne à l’INSPE d’Aix-Marseille Université. Il est coresponsable du programme de recherche « Le geste créatif et l’activité formative » (GCAF)5 au sein du laboratoire en Sciences de l’éducation Apprentissage, Didactique, Évaluation, Formation, (UR 4671 ADEF) d’Aix-Marseille Université. Ses travaux portent sur la didactique professionnelle du design et sur la didactique de l’enseignement du design, en tant qu’enseignement technologique et artistique, dans les lycées et dans les formations professionnelles supérieures.
Bibliographie en lien
Adjiman, R. (2015). Sémiotique des sons et cognition située. L’indexation des sons d’une sonothèque, pour un usage audiovisuel. Dans F. Bobrie, J.-F. Bordron, & G. Chandes, Les sens du son : pour une approche culturelle du sonore. Limoges: Solilang.
Chion, M. (2000). L’audio-vision : son et image au cinéma. Paris: Nathan.
Couprie, P. (2020). Quelques propos sur les outils et les méthodes audionumériques en musicologie. L’interdisciplinarité comme rupture épistémologique », Revue musicale OICRM, vol. 6, n° 2, 2020, p. 25-44.
Lockner, D., Bonnardel, N., Bouchard, C., et Rieuf, V. (2014). Emotion and interface design. In Proceedings of the 2014 Ergonomie et Informatique Avancée Conference – Design, Ergonomie et IHM: quelle articulation pour la co-conception de l’interaction (Ergo’IA ’14). Association for Computing Machinery, New York, NY, USA, 33–40. DOI:https://doi.org/10.1145/2671470.2671475
Moreau, J.-P. (2018). De la perception à la représentation : vers une épistémologie de l’oeuvre interdiscursive – Pour une analyse de l’oeuvre vidéomusicale. Thèse présentée pour obtenir le grade universitaire de docteur en musicologie, Aix-en-Provence: Ecole doctorale 354 Langues, Lettres et Arts – laboratoire PRISM UMR7061 CNRS-AMU. Récupéré sur https://hal.archives-ouvertes.fr/tel-01993412
Terrien, P. (2010). Musique et vidéo, contribution à la réflexion et à l’action pédagogique. Collection Arts, Transversalité, Éducation. Paris, L’Harmattan,
Terrien, P. (2018). L’utilisation des nouvelles technologies dans l’enseignement de l’éducation musicale au collège. In Terrien, P., Deveney, G. (Textes rassemblés par). L’intégration du numérique dans l’enseignement, apprentissage musical vocal et instrumental. Paris, L’Harmattan, p. 25-54.
Terrien, P. (2018). Des logiciels audio-vidéo à l’enseignement de l’éducation musicale au collège. Cahiers de la Société Québécoise de recherche en musique, vol. 17 n° 1, p. 25-37.
Terrien, P. et Deveney, G. (2018). L’intégration du numérique dans l’enseignement. Apprentissage musical, instrumental et vocal. Collection Sciences de l’éducation musicale dirigée par J.-P. Mialaret. Paris, L’Harmattan-IESM.
Tortochot, É. (2015). La représentation numérique dans l’enseignement du design : entre « objet magique » et nouvel « espace de dessin ». In G.-L. Baron, É. Bruillard, & B. Drot-Delange (Eds.), Informatique en éducation: perspectives curriculaires et didactiques (pp. 125-151). Clermont-Ferrand: Presses universitaire Blaise Pascal.
11h50 : Yann Vallet, Le numérique comme interface avec l’apprenant
Résumé
Au XXIe siècle, l’évolution des technologies joue un rôle central dans la société (Redecker, 2010). Au cœur du développement, l’émergence de nouvelles technologies de l’information et de la communication (NTIC) participe à des usages renouvelés des TIC dans l’enseignement et à la digitalisation des formations (Garrot, Psillaki, Rocchia, 2009 ; Ducreau & Lauch, 2007 ; Garret & Jokiverta, 2004).
Les différents artefacts numériques (Romiszowski, 2003 ; Gagné, Briggs, Wager, 1992 ; Terrien, 2010, 2018) mettent en avant une utilisation riche de médias audio-visuels. Des méthodologies de conception digitale reposant sur « l’User Interface design » et « l’User eXpérience design » (UI et UX design) sont développées, notamment dans le privé (Daumal, 2017), afin d’accompagner et guider l’utilisateur.
Cette communication s’intéresse à l’état de la recherche sur les interfaces numériques pensées pour l’apprenant afin de nourrir des réflexions sur l’utilisation de l’UI et l’UX design pour l’engagement d’élèves apprenants en situation d’apprentissage avec les outils numériques.
Biographie
Yann Vallet est doctorant en sciences de l’éducation (1er année) à Aix-Marseille Université (AMU). Membre du laboratoire Apprentissage Didactique Evaluation Formation (UR 4671-ADEF), il participe au programme au Programme de recherche GCAF « le Geste Créatif et l’Activité Formative ». Son sujet de recherche porte sur la compréhension des activités de conception dans l’utilisation des outils numériques. Il réalise cette thèse en bourse CIFRE avec l’entreprise INTERFORA IFAIP (projet ADESIF-ANRT, CREATIVLAB AMPIRIC).
Bibliographie en lien
Daumal, S. (2017). Design d’expérience utilisateur : Principes et méthodes UX. Editions Eyrolles.
Ducreau, F., Garrot, T., Lauch, B., Chmielewski, A., Sancassani, S., Psillaki, M., … & Ngamini, G. B. e-learning in higher education: representing change as a way of supporting the participants.
Garrett, R., Jokiverta, L. (2004), Online learning in Commonwealth universities: Selected data from the 2004 Observatory survey, Part 1, Londres, The Observatory on Higher Education.
Garrot, T., Psillaki, M., & Rochhia, S. (2009). Réflexion sur les enjeux du développement du e-learning à partir de l’étude de quatre universités européennes. Réseaux, (3), 111-136.
Jenkins, L. E. & Crawford, R. (2016). The impact of Blended Learning and Team Teaching in tertiary pre-service music education classes. Journal of University Teaching & Learning Practice, 13(3).
Redecker, C., Ala-Mutka, K., et Punie, Y. (2010). Learning 2.0: L’impact des médias sociaux sur l’apprentissage en Europe. Note de politique. Rapport scientifique et technique du CCR. EUR JRC56958 EN, disponible sur : http://citeseerx.ist.psu.edu/viewdoc/download?doi=10.1.1.460.2564&rep=rep1&type=pdf, [Consulté le 12 janvier 2021]
Romiszowski, A. (2003). The future of E-learning as an educational innovation : Factors influencing project success and failure. Revista Brasileira de Aprendizagem Aberta e a Distância, 2.
Terrien, P. (2018). Des logiciels audio-vidéo à l’enseignement de l’éducation musicale au collège. Cahiers de la Société Québécoise de recherche en musique, vol. 17 n° 1, p. 25-37.
Terrien, P. & Deveney, G. (Eds., 2018). L’intégration du numérique dans l’enseignement. Apprentissage musical, instrumental et vocal. Paris. L’Harmattan.
12h30 : Pause déjeuner
14h : Margarida Romero, Évaluation de la créativité dans des activités de robotique pédagogique.
Résumé
Les activités de robotique pédagogique ont le potentiel d’engager les élèves dans des activités de résolution créative de problèmes faisant appel à des concepts et des procédés des sciences du numérique. Nous analysons le processus créatif des élèves à partir des configurations développées au cours de la tâche afin d’appréhender le processus tant en contexte individuel qu’en binôme
Biographie
Margarida Romero est directrice du Laboratoire d’Innovation et Numérique pour l’Éducation (LINE), une unité de recherche en Sciences de l’Éducation et de la Formation (SEF, CNU 70) à l’Université Côte d’Azur. Après l’obtention du prix à la meilleure thèse en psychologie à l’UAB, elle intègre la Universitat Autònoma de Barcelona, et poursuit ensuite sa carrière au Canada et en France. Elle est professeure des universités (PU) à l’Université Côte d’Azur en France et professeure associée à l’Université Laval au Québec.
Romero, M., Alexandre, F., Roux, L., Giraudon, G., & Viéville, T. (2020). From computational neuroscience to computational learning science : Modeling the brain of the learner and the context of the learning activity. SophIA-summit 2020. https://hal.inria.fr/hal-03018617
15h : Mercedes Baugnies, Un projet de numérique éducatif, le logiciel P’tit Prof
Résumé :
L’appli P’titProf sera présentée au cours de cet exposé. Celle-ci, destinée aux élèves de primaire, a été créée par SBT mais son développement bénéficie d’un ancrage entreprise-terrain-recherche grâce à la collaboration avec deux professeurs des écoles, la Réunion des Musées nationaux Grand Palais et Aix-Marseille Université dans le cadre d’Ampiric. L’enfant peut exercer ses compétences en grammaire, mathématique et lecture en endossant le rôle du professeur. L’usage de cette appli interroge les notions de tutorat, de jeu, ainsi que de l’emploi et de l’ergonomie de l’outil numérique.